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Publicado en Calíope Libros
Kurt Vonnegut Jr. nació el 11 de noviembre de 1922 en Indianápolis, localidad del estado de Indiana (Estados Unidos), hijo de Edith Lieber y del acaudalado arquitecto Kurt Vonnegut. A pesar del alto linaje familiar, su riqueza se vio maltrecha debido a la crisis económica de la Gran Depresión de finales de los años 20.
El pequeño Kurt, después de pasar por la Escuela Orchad de Indianápolis, acudió al instituto Shortridge, centro en el que colaboró en la confección de la publicación escolar escribiendo columnas y reportajes.
Comenzó a estudiar Bioquímica en la Universidad Cornell, en donde realizó colaboraciones periodísticas. En el año 1942 abandonó Cornell para ingresar en el ejército después de pasar brevemente por el Instituto de Tecnología de Carnegie.
En 1944, mientras Kurt estaba participando en la Segunda Guerra Mundial, su madre se suicidó con una sobredosis de somníferos.
A finales de ese mismo año Vonnegut fue capturado por los nazis en el Bulge y confinado en Dresde, asistiendo al terrible bombardeo al que se ve sometida la ciudad alemana. Esta experiencia le valió como base de su obra más popular, “Matadero 5” (1969), una novela que mezclaba realidad y ciencia-ficción con tintes surrealistas para configurar una visión crítica, no exenta de humor, de la sociedad y especialmente de la crueldad bélica, convirtiéndose en uno de los libros pacifistas más importantes del siglo XX.
Esta constante crítica social, con tendencia a la sátira y el humor negro con empleo de elementos vanguardistas y fantásticos fueron la base de sus trabajos más prestigiosos.
En mayo de 1945 Vonnegut regresó a los Estados Unidos y por sus servicios en la guerra fue condecorado con el Corazón Púrpura.
Pocos meses después se casó con Jane Marie Cox antes de comenzar a trabajar como periodista en la ciudad de Chicago, en cuya universidad acudió a estudios de Antropología, siendo rechazada su tesis titulada: “’On The Fluctuations Between Good And Evil In Simple Tales”.
En 1947 trabajó en la General Electric como relaciones públicas. Tres años después, en 1950, logró publicar su primer relato corto: “Report On The Barnhouse Effect”. En ese momento decidió dedicar todo su tiempo a la literatura.
En el año 1952 apareció su primera novela, “La Pianola” (1952), distopía y sátira social también conocida como “Utopía 14”.
Sus expectativas no se cumplieron y tuvo que dedicarse a varios oficios, entre ellos maestro en Hopefield School.
En 1957 falleció su padre. Dos años más tarde publicó “Sirenas De Titán” (1959), novela nominada al premio Hugo que fue continuada por títulos como “Cat’s Cradle” (1960), “Canary In a Cat House” (1961), “Madre Noche” (1961), libro ambientado en la época nazi, y “Dios Le Bendiga, Mr. Rosewater” (1965), títulos que le fueron otorgando suficiente identidad literaria como para salir del anonimato.
A mediados de los años 60 trabajó como crítico en el “New York Times”. En 1968 se publicó su colección de relatos “Bienvenido a La Casa Del Mono” (1968). Un año después apareció la citada “Matadero 5” (1969), un libro que le otorgó definitivamente la popularidad internacional, convirtiéndose en un best-seller. Fue nominado al premio Nebula y al premio Hugo.
En 1970 escribió la obra teatral “Wanda June” y un año después se divorció de Jane. Tras esta separación ocupó plaza de profesor en distintas instituciones y escribió títulos como “El Desayuno De Los Campeones” (1973), “Slapstick” (1976), “Pájaro De Celda” (1979), la colección de ensayos “Domingo De Ramos” (1981), “Vigota Dick” (1982) o “Galápagos” (1985).
A mediados de los años 80 Vonnegut se intentó suicidar con una sobredosis de somníferos mezclados con alcohol. No logró su objetivo. Tras este incidente prosiguió con su producción literaria publicando “Barbazul” (1987), “Birlibirloque” (1990), “Timequake” (1997) y “Dios Le Bendiga, Dr. Kevorkian” (1999), su última novela, bastante corta, en la que se entrevista a personalidades como Isaac Newton, Adolph Hitler o William Shakespeare.
“Un hombre sin patria” (2005) fue su última entrega. Se trata de una colección de artículos con una visión crítica de su país, abordando tanto asuntos artísticos como políticos y sociales.
El 11 de abril del año 2007 falleció a los 84 años de edad tras sufrir daños cerebrales después de una caída.
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“Desde eso que los historiadores llaman ‘Segunda Guerra Mundial’, desde los campos de exterminio del Tercer Reich, ingresamos en un tiempo donde las secuencias melódicas exasperan. En todo el ámbito terrestre, y por primera vez desde la invención de los instrumentos, el uso de la música se ha vuelto coercitivo y repugnante. Amplificada hasta el infinito por la invención de la electricidad y la multiplicación de su tecnología, se volvió incesante, agrediendo noche y día en las calles comerciales de las ciudades, las galerías, los pasajes, los supermercados, las librerías, los cajeros donde se retira dinero, hasta en las piscinas, hasta a orillas del mar, en los departamentos privados, en los restaurantes, en los taxis, en el subte, en los aeropuertos.
Incluso en los campos de la muerte.
La música es la única entre todas las artes que colaboró en el exterminio de los judíos organizado por los alemanes entre 1933 y 1945. La única solicitada como tal por la administración de los Konzentrationlager. Hay que subrayar, en detrimento suyo, que es la única que pudo avenirse con la organización de los campos, del hambre, de la miseria, del trabajo, del dolor, de la humillación y de la muerte.
La expresión Odio a la música quiere expresar hasta qué punto la música puede volverse odiosa para quien la ha amado por sobre todas las cosas.”
Se incluyen los siguientes “Pequeños tratados”: Las lágrimas de San Pedro – Sucede que las orejas no tienen párpados – Sobre mi muerte – De los vínculos entre el sonido y la noche – El canto de las Sirenas – Luis XI y los cerdos músicos – El odio a la música – Res, Eochaid, Eckhart – Desencantar – Del fin de las relaciones
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Charles Augustus Strong fue, junto a su amigo y corresponsal George Santayana, uno de los miembros más activos del llamado realismo crítico, corriente filosófica que asoló la vida universitaria norteamericana en las tres primeras décadas del siglo XX. En 1904, William James ponía sus investigaciones a la altura de las de Bergson, y les atribuía a ambos el mismo «instinto del cazador para los rastros fructíferos». Pero los trabajos de Strong sobre la relación entre el cuerpo y la mente, la esencia y el estatus ontológico del conocimiento, los problemas del espacio y el tiempo, no fueron generalmente bien acogidos. Se los acusó, ante todo, de falta de claridad y abuso de términos técnicos. La reacción inmediata de Strong es este libro de fábulas, escrito en 1921, donde se propone decir lo mismo que en sus libros «serios», pero con palabras que puedan entender aquellos que viajan en auto o en tren.
Como en las fábulas tradicionales, la mayor parte de los personajes son animalitos, hay algunos que otros hombres e incluso objetos, todas criaturas de Dios, a partir de los cuales Strong vuelve a pensar los problemas que desde siempre lo aquejaron, pero esta vez desde la visión que da a cada uno de esos seres el modo de vida en que se hallan envueltos y sus relaciones inherentes-esenciales-sensibles-históricas.
Un topo atomista, una cordera torpe e intelectual que leyó a «los alemanes», un trompo egocéntrico y relativista… Más allá de las referencias implícitas, aunque marcadas, a varias bestias filosóficas presentes en sordina, como James, Russell y Bergson, lo que interesa es que en el fabulario de Strong la filosofía vuelve a estar atravesada por los modos sensibles que impone la naturaleza en su propio despliegue, sobre todo en sus recorridos más libres (tal el vuelo y sobre todo el canto de los pájaros), antes de que el puro conocimiento cobre su propio vuelo y se pierda, ya sin la belleza de aquella melodía.
El mundo no es en absoluto oscuro realmente, sino que está lleno de luz hasta el desborde (…) Toda criatura viviente está llena de luz, e incluso las rocas y las piedritas son interiormente luminosas, aunque no son tan inteligentes. Y esta es la razón por la cual los arroyos murmuran, y las olas ríen, y los árboles suspiran en el viento, y en ellos los pájaros cantan sus canciones, a veces más hermosas que las mías…
Charles A. Strong
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En las montañas de la locura es la memoria en primera persona de un geólogo de la Universidad de Miskatonic sobre una reciente expedición dirigida por él al continente antártico y su trágico final. Narra el profesor superviviente cómo se inició la expedición, con aeroplanos y trineos tirados por perros, y cómo en uno de los vuelos de reconocimiento se toparon con una impresionante cordillera, tal vez más elevada que el Himalaya. Un primer grupo llega por tierra a sus estribaciones y acampa al pie de los montes. Las exploraciones de la zona llevan al grupo a descubrir una cueva en cuyo interior encuentran catorce fósiles de una estatura superior a la humana pertenecientes a unos seres totalmente desconocidos para la ciencia: el cuerpo principal del organismo tiene forma de barril, sostenido por una serie de patas, de su extremo superior surge un ramillete de tentáculos y dispone de unas alas membranosas replegadas a ambos costados. Un segundo grupo, con el que viaja el narrador, pierde, tras estas intrigantes informaciones, el contacto por radio con el primero, y se dirigen al lugar en aeroplano. El espectáculo que les espera al llegar es dantesco… Poco después, en una inspección aérea sobre la cordillera harán un descubrimiento histórico y fascinante…
Muchos críticos han querido ver en este espeluznante relato una magistral continuación al misterioso final de Las aventuras de Arthur Gordon Pym, de E.A. Poe, precursor y maestro de Lovecraft.
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“—Las muertes tendrían que ser todas iguales. Uno de repente se cae muerto y listo. Nada de sufrimiento ni dolor. Ya bastante desagradable es tener que irse del mundo —dijo Jill.
—Es que para Dios todas las muertes son repentinas —contestó John.
—¿Por qué?
—Porque Dios puede hacer milagros.
—¡Increíble! —exclamó Jill—. Entonces es como si Él fuera el último en enterarse. La torta está riquísima. ¿Alguien quiere un poco más?”
“En María Martoccia no hay receta (fórmula eficaz de gracia) sino una artesanía ejercitada con las ambiciones —y los poderes— del arte.”
Luis Chitarroni, Otra parte
“Caravana es un libro de relatos absolutamente perfecto.”
Damián Tabarovsky, Perfil
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Publicado en Narrativa argentina
Reunir una obra poética supone que un hilo invisible la fue encuadernando durante años y que sólo queda hacerlo evidente. Es el identikit de una voz que desde lejos nos convoca a actualizar todos los libros en uno nuevo. Y en el caso de Olga Orozco esto es efectivamente así. Desde lejos, su primer libro, publicado en 1946, ya nos habla del último. “Son los seres que fui los que me aguardan.” En la recepción en México del Premio de Literatura Latinoamericana Juan Rulfo en 1998, Orozco afirmó que “la poesía espera para sí misma la misteriosa gratificación de asir lo inasible y expresar lo inexpresable”. Y probablemente nada sea tan inexpresable como el tiempo de la subjetividad ni tan inasible como la muerte. Estos dos jeroglíficos que acompañan desde el inicio la investigación poética orozquiana, lejos de pretender aportar la versión definitiva, le van agregando a lo indecible, con cada vuelta de tuerca, palabras nuevas. Son repeticiones compulsivas donde lo mismo y lo diferente golpean juntos la puerta de acceso a lo real. Y lo real alcanzó por fin el futuro un domingo 15 de agosto de 1999 con la muerte de la poeta. Pero también alcanza ahora, con este nacimiento que actualiza todos los libros en un nuevo cuerpo (“es mi propia manera de partir y volver a nacer”, nos diría ella), una posibilidad renovada, distinta, impredecible de convocar las lecturas que vendrán.
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En un zarrapastroso motel en el confín del desierto de Mojave dos destructivos y desesperados amantes, atrapados por neuróticas necesidades que los atraen y separan simultáneamente: con sus recuerdos y sus sueños se nos ofrecen las múltiples versiones de una cruel y fatal historia de amor. Como en todas las historias de Sam Shepard, en “Locos de amor” no hay héroes, sólo personajes ambiguos balanceándose entre imaginarios pasados heroicos y acerbas realidades. Personajes que cabalgan verbalmente a través de los escombros del Oeste, en busca de su identidad y de sus raíces familiares, que han desaparecido con el escenario de leyenda. Y, al no encontrar lo que buscan, utilizan sus sueños como armas arrojadizas.
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Después de ganar un importante premio, obtenido mediante arreglos fraudulentos de su agente literario, Marcos decide montar un simulacro de muerte y luego viajar al pueblo de Médanos donde han vivido los antepasados de su familia para indagar acerca de la autenticidad de su origen. Durante los años de la dictadura militar, otro Marcos, también va a Médanos con el proyecto de investigar su genealogía familiar. En la novela de Gustavo Kusminsky Médanos. Premio de narrativa hispanoamericana las dos historias se entrelazan con ondulaciones y repliegues en los que las voces de los narradores ironizan sobre su propia enunciación jugando con una ambigua puesta en abismo. Los entrecruzamientos y los mutuos reenvíos trazan figuraciones que van haciéndose y deshaciéndose en el curso del relato.
En lugar de consolarse con la seguridad de una memoria legitimada como verdadera, los personajes que narran en Médanos. Premio de narrativa hispanoamericana, desafían la autoridad de los archivos, arriesgando las posibilidades del futuro a cambio de una revelación siempre improbable. La prosa refinada y precisa de Kusminsky trama motivos y situaciones que se desplazan, se invierten y reaparecen diseñando imágenes en las que cada historia esconde y revela a la otra, descentrándose entre sí en una madeja de indeterminaciones que instala el flujo narrativo en un teatro de máscaras montado en la trastienda de una galería de espejos. Los personajes de Gustavo Kusminsky buscan ilusoriamente la verdad en un paisaje de formas inestables, densamente poblado de fantasmas que insisten tenazmente en agitarse sin descanso. Médanos. Premio de narrativa hispanoamericana es una novela notable que explora las versiones de la identidad como si fueran formas vicarias de la ficción.
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Publicado en Nueva Narrativa
En el barrio de Juan están pasando cosas raras: sin explicación llega a cada casa una caja repleta de sombreros negros. Pero cuando le toca a la familia de Juan, reciben una caja con sombreros de colores… ¿Quién es el misterioso emisor, Ceñoncito Ceñón? Y ¿por qué envía dichas cajas? Una histora de rimas y canción, de dibujos a lápiz, inocencia y amistad.
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Publicado en Literartura Infantil y Juvenil
Lo que hace tan buenas las obras literarias de los no literatos es que, cuando hacen una excursión por este extraño arte, solo hablan de lo que saben, mientras que el escritor declarado se ve a menudo arrastrado a hablar de todo tipo de cosas por aquella fluidez de lenguaje… Esta idea de Eugène Delacroix se podría aplicar a él mismo, quien además señalaba con secreto goce la ventaja de la pintura de no ser un arte parlanchín. Sin embargo, o justamente por ello, Delacroix escribe, y lo hace en revistas, hojas volantes, cartas, álbumes, etc. Estos escritos, reunidos gracias al trabajo de Achille Piron y luego de Élie Faure, y que van del año 1829 al 1863, condensan por un lado el pensamiento del pintor francés en torno a lo bello, ese (im)pensado de toda estética, y por otro sus meditaciones metafísicas, esparcidas con una especie de dulce violencia, y que nos acercan un pensamiento sobre la vida de una insospechada crudeza.
En el suculento plato se destaca una radical inversión del binomio moderno igualdad/ jerarquía, par anclado en empobrecidos y abstractos criterios sociológicos, y cuyo fin político es la nivelación social y el poder de las leyes y las escuelas. Este binomio se ve desbaratado por un nuevo par igualdad/selección, pero de una naturaleza estrictamente opuesta, y amparado esta vez en un criterio intensivo de carácter vitalista -igualdad de los seres por su dignidad ontológica / selección de lo mejor, y de lo bello, por lo más
potente-. Esta inversión crítica, que liga a Delacroix -a sus espaldas, hay que decirlo- con pensadores como Nietzsche y Spinoza, pone de manifiesto a su vez aquello que es el locus de todo acto creador, su perpetua excedencia.
La naturaleza no se preocupa ni del hombre ni de sus trabajos, ni en modo alguno de su paso por la tierra. Para la naturaleza es igual que invente y construya maravillas o que viva como un bruto. El verdadero hombre es el salvaje; él concuerda con la naturaleza tal como es (…) Nosotros solo
vemos lo bello a través de la imaginación de los poetas o de los pintores; el salvaje lo encuentra a cada paso en su vida errante.
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Publicado en Filosofía